Risorgimento Firenze

Il sito del Comitato Fiorentino per il Risorgimento.

Comitato Fiorentino per il Risorgimento

La Trottola e il Robot. Tra Balla, Casorati e Capogrossi

da

PALP. Palazzo Pretorio Pontedera

11 novembre 2017 – 22 aprile 2018

 

Il 22 aprile  al PALP Palazzo Pretorio di Pontedera chiude la  mostra La trottola e il robot. Tra Balla, Casorati e Capogrossi, curata da Daniela Fonti e Filippo Bacci di Capaci e promossa dalla Fondazione per la Cultura Pontedera, dal Comune di Pontedera e dalla Fondazione Pisa, in collaborazione con l’Istituto di Biorobotica della Scuola Superiore Sant’Anna di Pisa e con il patrocinio della Regione Toscana e del Ministero dei beni e delle attività culturali e del turismo.

La mostra nasce intorno ad una prestigiosa collezione di giocattoli d’epoca di proprietà del Comune di Roma, presentando insieme agli antichi balocchi circa 110 opere di artisti italiani attivi tra il 1860 e il 1980. La trottola e il robot mette a confronto due aspetti della creatività legati all’infanzia, quello che si traduce negli oggetti concreti, i giocattoli, creati un tempo dagli artigiani e poi dall’industria, e quello che rappresenta e interpreta il gioco infantile nelle arti figurative e plastiche italiane, dalla fine del XIX secolo alla seconda metà del XX. Si tratta di due universi separati, che solo di quando in quando hanno trovato modo di rispecchiarsi gli uni (i giocattoli) nelle altre (le opere d’arte) e il lungo racconto di figure ed oggetti che si snoda nelle sale espositive di Palazzo Pretorio, offre da differenti, dialettici o integrati punti di vista un osservatorio inedito e suggestivo sui mutamenti della società italiana nel corso dei decenni, sulle variazioni dei modelli pedagogici, di vita e di pensiero e sul rapporto spesso controverso fra il mondo degli adulti e quello – assai più misterioso – dei bambini.

Le opere degli artisti italiani che hanno prediletto il tema dell’infanzia, dialogheranno in mostra, intorno ad alcuni temi chiave, con nuclei di oggetti ludici, scelti di volta in volta per la loro valenza sociale, didattica, ma anche più latamente simbolica e onirica; di questi saranno messi in evidenza il mutamento formale, l’avvicendarsi dei materiali in uso, il loro attingere ai mutamenti tecnologici in atto.

Fra i temi significativi individuati nella sequenza espositiva, la casa coincide con la rappresentazione dello spazio interno, dell’intimità domestica nella quale si svolge la vita quotidiana dell’adulto e il gioco del bambino. Grandi modelli di casa di bambola, differenziati fra il modello alto borghese e quello più dimesso, bambole d’epoca, arredi in miniatura sono posti a confronto con le opere di Zandomeneghi, Balla, Casorati, Cambellotti, Francalancia, Campigli, Viani, Pirandello, Novelli con i giocattoli creati dagli artisti. Il rapporto del bambino con la vita degli adulti, oltreché nel gioco, si configura nei modelli dell’educazione infantile che per tradizione vi sono associati; gli artisti ritraggono volentieri i momenti di formazione del fanciullo, dall’apprendimento scolastico all’educazione al canto, alla musica, alla lettura. In sala opere di Mancini, Cambellotti, Lloyd, Levi, Capogrossi, Casorati, Mafai, Pirandello. Il gioco all’esterno predispone il bambino a una diversa percezione del mondo con una dilatazione degli orizzonti immaginativi nella quale rientrano la piena percezione di sé e del movimento, il tema del viaggio, dell’esotismo; alle pareti opere di Muzzioli, Corcos, Boccioni, Müller, Erba, Magri, Sartorio, Capogrossi, Gentilini. Il teatro e il circo protraggono lo stupore del gioco fino all’età adulta; le opere di Balla, Cambellotti, Depero, Casorati, Natali, Capogrossi, Levy s’ispirano a questo “doppio” fantastico del mondo che si rinnova sempre e si mettono a confronto con modellini teatrali, giostre per bambini e marionette. Giochi senza età richiama la valenza pedagogica del gioco, la capacità di sviluppare nel fanciullo, e più tardi nell’adulto, le sue doti di apprendimento, le facoltà critiche e tutte quelle attitudini all’organizzazione dell’azione nello spazio e nel tempo; i quadri e le sculture (di Boccioni, Pasquarosa, De Pisis, Raphael, Severini Novelli, Santoro, Novak) hanno per protagonisti i giochi, dal domino alle carte, dagli scacchi ai tarocchi. La sala degli automi, infine, rinvia allo sviluppo, illustrato attraverso i giocattoli presenti nella collezione, del tema dell’automazione, che dai primi ingenui elementi a molla arriva ai più sofisticati congegni moderni. Molti gli artisti che nel corso di un secolo hanno riflettuto sulla possibilità di creare delle copie di sé animate meccanicamente, sull’ambivalenza uomo/manichino, sulla sua trasformazione in robot meccanico: la Metafisica, il Futurismo, più tardi l’irridente Patafisica hanno a diverse riprese rilanciato il tema, con valenze espressioniste, giocose, tragiche o ironiche (in mostra opere di Grassi, Sironi, Pannaggi, Prampolini, Depero, Casorati e Baj). In questa sezione, si stabilisce un significativo collegamento con l’ambito di ricerche nella biorobotica condotte dall’Istituto Sant’Anna di Pisa, centro di eccellenza universitaria italiano e partner della mostra.

La mostra è corredata da un catalogo a cura di Daniela Fonti e Filippo Bacci di Capaci, con testi dei curatori, di Cristina Biagi, Giovanna Conti, Paolo Dario, Emma Marconcini, Gianfranco Staccioli e Claudia Terenzi (Bandecchi & Vivaldi).

PALP Palazzo Pretorio Pontedera
Piazza Curtatone e Montanara, Pontedera (PI)
Orario: da martedì a domenica 10-20, lunedì chiuso
Ingresso: intero € 7, ridotto € 5
Tel. +39 0587 468487 – +39 331 1542017
e.mail info@pontederaperlacultura.it – www.palp-pontedera.it

 

Ma la Repubblica è nata rossa?

da

Franco Camarlinghi  Corriere Fiorentino  22 marzo

Può darsi che abbia ragione Tomaso Montanari quando, nella recensione sulla mostra Nascita di una Nazione (Venerdì di Repubblica), scrive che parlare degli anni cinquanta e sessanta significa parlare della giovinezza della maggior parte di coloro che visiteranno Palazzo Strozzi.

Faccio parte della categoria e, appena posso, mi presento alla biglietteria. La mostra è bella, così come l’allestimento, e il rosso che via via diventa dominante nelle opere esposte dà la sensazione di un bel colore che avvolge il visitatore: sul momento non mi passa per la testa nient’altro. Torno indietro e ricomincio da Renato Guttuso e da La battaglia di Ponte dell’Ammiraglio, quella delle Frattocchie, la scuola del Pci, il luogo dove abitava Palmiro Togliatti. All’inizio degli anni settanta mi capitò di andare a trovare in Piazza del Grillo il Maestro, insieme a Fernando Farulli, per chiedergli di fare da tramite per realizzare a Firenze un’esposizione di Picasso. Fu chiaro che Guttuso avrebbe voluto essere lui richiesto per un’iniziativa del genere, battezzò Farulli come il Guttuso fiorentino e tutto finì in quel momento. Chissà perché mi torna in mente quell’episodio, poi lo capisco: nel Pci veniva al dunque lo scontro culturale fra il sostegno a linguaggi dell’arte che erano appartenuti a un’epoca passata e tutto ciò che era avvenuto anche in Italia dal dopoguerra in poi e che la mostra di palazzo Strozzi rende evidente. Le nuove generazioni identificavano Guttuso nel realismo d’antan della Battaglia di Ponte di Ponte Ammiraglio.

A Firenze per ricostruire quella storia bastava incontrare Vinicio Berti e fargli raccontare, con toni inconsolabili, la stroncatura di Togliatti dell‘Astrattismo classico.

Faticosamente lo spazio per le tendenze che ormai erano dominanti all’esterno del Pci, si sarebbe imposto anche nell’iniziativa pubblica che dopo il’75 avrebbe visto i comunisti protagonisti nelle maggiori città italiane. Giulio Carlo Argan sindaco di Roma, nel’76, ne fu il riconoscimento più evidente.
Riprendo il cammino da Turcato, Burri, Fontana, Vedova fino al trionfo del rosso di Mario Schifano e di Franco Angeli. Un po’ mi commuovo di fronte a Fausto Melotti: avevamo pensato a una sua mostra al Forte di Belvedere che poi fu fatta e fu bellissima, come ovvio. La fecero terminare prima del tempo e lui ci rimase male, ma non protestò. Quando morì riuscimmo a ottenere una deroga per la sua sepoltura nel cimitero di San Felice a Ema: voleva stare accanto al suo grande amico Montale.

Ancora ricordi: fra questi, Burri e la mostra in Orsanmichele, l’amicizia con Franco Angeli nell’ultima parte della sua vita, quando lavorava a Firenze per una importante
Galleria e per le scene di un balletto al Teatro Comunale. Certo: potrebbero essercene altri di artisti di quei due decenni e fra loro anche fiorentini, ma l’insieme è di sicuro significativo. Però: significativo di che, a parte il valore artistico? Viene reso chiaro, per il fatto che la maggioranza degli artisti presenti nella mostra era vicina o addirittura militante nel Pci, quanto lunga e faticosa fu la battaglia per cambiare il punto di vista conservatore che caratterizzava la classe dirigente di quel partito. Ma ciò concerneva la ricerca di nuovi linguaggi dell’arte nel rapporto con la realtà, o che altro?
Questi artisti, al di là di quanto detto sopra, lavoravano incontro alla Nascita di una Nazione, come recita il titolo della mostra? Si può identificare nel rosso delle bandiere o delle falci e martelli di Franco Angeli o nello sfondo di Compagni compagni di Mario Schifano l’idea di nazione? La relazione con il Pci o la sinistra italiana costituiva la sponda giusta per un discorso del genere?

L’incipit delle lezioni milanesi del `43/44 di Federico Chabod ci può guidare nell’affrontare una tale questione. «Dire senso di nazionalità, significa dire senso di individualità storica».
L’individualità di una nazione, la sua unicità, al di là delle divisioni di classe, di ceto e di condizione sociale, la distanza da appartenenze diverse in nome dell’internazionalismo. L’Italia si è data uno stato nazionale nel 1861, ma le divisioni territoriali e sociali hanno costantemente messo in dubbio (guardare la situazione attuale, per capire) l’esistenza di caratteristiche nazionali unificanti.


Non era il Pci e la sinistra il contenitore giusto per una tale ambizione e del resto nessuno che militasse in tale contesto, negli anni a cui si riferisce la mostra, aveva al centro dei propri pensieri il problema della nazione, casomai della rivoluzione, come anche si può supporre da molte opere che sto vedendo.

La nazione è per definizione «una» e di nessun colore e il clima politico nella sinistra a cui guardavano gli artisti di cui abbiamo parlato era fra i più divisivi, per cui fare una nazione di bandiere rosse era allora e lo resta oggi non poco contraddittorio.
Pensieri di un giovane di allora: resta il fatto che quei pittori e scultori che tanto dispiacevano a Togliatti, col passare del tempo, sono diventati protagonisti della scena artistica internazionale.

I giornali di trincea raccontano la Grande Guerra

da

«La Tradotta» e altre testate, volute da Armando Diaz per tirare su il morale delle truppe, divennero veicolo delle avanguardie. Con testi di d’Annunzio, Ungaretti, Deledda

Gian Antonio Stella  Corriere della Sera 19 marzo

 

«Facendo un largo struscio / nell’ovo che lo serra / or esce fuor dal guscio / il quarto anno di guerra». Lo annunciava allegro uno dei primi numeri de «La Tradotta», che raccontava come dell’anno appena nato si fosse messa «tosto in traccia / per prati e per foreste/ un’orrida vecchiaccia / giallastra con due teste». L’aquila bicipite dell’impero asburgico.

«Fuor dal guscio», ai primi di marzo di quel 1918, uscirono anche i «giornali di trincea». I quali, per una breve stagione fino alla fine della Grande Guerra o poco oltre, rappresentarono una formidabile novità giornalistica, artistica, letteraria. Che coinvolse autori come Gabriele d’Annunzio, Curzio Malaparte, Giuseppe Ungaretti, Mario Sironi, Massimo Bontempelli, Grazia Deledda, Giorgio de Chirico, Ardengo Soffici, Antonio Rubino, Enrico Sacchetti e altri ancora…

Come appunto gli autori del paginone centrale dedicato al mitico 1918, che sarà ricordato come l’Anno della Vittoria, cioè l’illustratore Umberto Brunelleschi (amico a Parigi di Modigliani, Picasso, Soutine, Van Dongen, Derain) e il giornalista Renato Simoni, collaboratore e poi direttore de «La Lettura» del «Corriere», critico teatrale, commediografo, poeta, autore con Giuseppe Adami del libretto della Turandot di Giacomo Puccini, regista e sceneggiatore…

Due fuoriclasse. Che si ritrovarono a combattere e lavorare insieme grazie ad Armando Diaz, comandante supremo dopo la disfatta di Caporetto, e alla sua decisione di istituire i «giornaletti satirici-umoristici» e altre «pubblicazioni per la propaganda patriottica» per incoraggiare, spronare, compattare i soldati donando loro dei momenti di buon umore che spezzassero la tensione della trincea, la noia delle attese, l’angoscia prima dell’assalto. Fu così che videro la luce «La Trincea», «Il Montello», «San Marco», «Signor sì», «La Ghirba», «La Voce del Piave» e appunto «La Tradotta» diretta da Simoni.

Fu un piccolo miracolo, spiega nella prefazione alla bellissima ristampa anastatica di tutti i numeri della rivista raccolti in fascicoli, il collezionista, curatore ed editore Fiorenzo Silvestri. Perché «analizzando tutti i giornali di trincea, si ritrovano, nel complesso, tutte le nuove correnti artistiche d’avanguardia, a quel tempo poco conosciute in Italia, che arrivano in trincea con i loro migliori esponenti». Dall’Art Nouveau al Liberty, dal Futurismo alla Secessione austriaca al Déco e all’espressionismo…

Illustrazioni poetiche o irridenti, malinconiche o sarcastiche, accompagnate da testi di scrittori come Luigi Bertelli, che con lo pseudonimo di Vamba aveva già avuto un enorme successo col Giornalino di Gian Burrasca e scriveva sul «Signor sì» con toni meno scanzonati: «Dell’Italia ti sta innante / l’implacabile nimico / il più acerrimo, il più antico / ladro, vil, falso, arrogante / che fu ognor campione invitto / nella frode e nel delitto». Retorica guerresca che si scontrava sul fronte opposto con analoghi giornali, volantini, manifesti tedeschi. Non meno aggressivi. E talvolta stampati in italiano come se appartenessero alle nostre trincee. «Gli agenti austro-tedeschi», spiegava «La Giberna» del 23 giugno, «si son dati alla truffa più volgare. Stampano un’”Idea democratica”, una “Tradotta”, una “Ghirba”, una “Giberna”: intendono così ingannare il lettore, credendo che questo sia uno sciocco e non capisca il volgare trucco…».

Nella scia di quanto suggerito da Giovanni Albertini, convinto che si dovesse dare alla stampa «l’incarico di tenere alti gli animi», le pagine che spiccano sono quelle di alleggerimento. Come, sulla «Voce del Piave», le strisce di «Herr Kapokien caporale / Nell’esercito imperiale / Fa da scorta e si addormenta / Perché tien la pancia lenta». O la «piccola pubblicità» su «La Marmitta»: «Signorina bella, dote 100.000, sposerebbe nel corrente mese soldato anche del ’99, scaldarancio, purché abbia fatto pesca di tre prigionieri austriaci da portare come testimoni del matrimonio».

Ma è su «La Tradotta» che quel magico equilibrio sospeso tra l’orrore dei combattimenti, la nostalgia per la casa lontana e l’allegria cameratesca necessaria a sopravvivere (equilibrio che Paolo Monelli e Bepo Novello esalteranno ne La guerra è bella ma è scomoda) si afferma come un piccolo capolavoro settimanale. Dalle avventure di «Max Pataten» ai fumetti a puntate sulla lotta agli imboscati: «Il dottor Bertoldo Ciucca / Che ha di molto sale in zucca / Una macchina ha inventato / Che disbosca l’imboscato».

Ed ecco i soldati che sognano le fidanzate a casa: «Due mele son le guance della Nella / la bocca rossa è proprio una ciliegia / e quel nasin vezzoso che la fregia / pare una mandorletta tenerella; / all’ombra delle ciglie lunghe e fine / ha gli occhi grandi come due susine / Certo è la Nella mia, se la guardate / L’immagin sana e calda dell’estate / Rispondon gli altri, “camerata hai torto: / tu non sposi una donna, sposi un orto”» O le poesie come Il fante affardellato: «Senza chieder dove vada / batte il fante la sua strada / batte il fante lo stradone / con la pioggia e il polverone / ché la santa fanteria / marcia sempre in pedovia, / marcia al caldo, marcia al fresco / sul caval di San Francesco».

Per non dire della prima «mappa gastronomica» a colori del Veneto dedicata a Conrad von Hötzendorf, lo stratega della fallimentare Strafexpedition: «Von Conràd si sente in mano / già gli asparagi e Bassano /già pregusta le ciliegie / di Marostica sì egregie /e di Schio tra i monti belli / gusta già polenta e uccelli…». Amavano molto, quei ragazzi precipitati tra le mattanze di una guerra spaventosa, l’insistenza sulle rime baciate che ricordavano loro le filastrocche dell’infanzia. Versi come quelli dedicati ai «ragazzi del 99»: «To’! sui labbri giovinetti / non han ombra di baffetti / sono nati appena ieri, / ieri appena e sono guerrieri / e la massa tedescaccia / non li avvolge e non li schiaccia» (…) «Ah, che orgoglio giovanile / poter dir a tutti: io son / laureato a Caposile / o nell’ansa di Zensòn»

Non mancano gli elogi, oggi impensabili, al tabacco, il compagno di trincea: «Grazie, tabacco: o tu sia giunto al fante / sotto la forma d’un toscan rugoso / o dalla pipa corta e brontolante / abbia tu affumicato il suo riposo / virginio anello o bianca sigaretta / caro tabacco il nostro grazie accetta». Tra gli appuntamenti più attesi dai soldati al fronte c’erano «Le lettere del soldato Baldoria». Dietro le quali c’era Arnaldo Fraccaroli, l’inviato del «Corriere» che nel maggio 1916 aveva descritto la Strafexpedition e qui si rivolgeva col linguaggio dei semplici alla sua amata: «Teresina del mio cuore, ogni volta che indosso la penna per scriverti a te mi sento un gran bruciacuore alle labbra, che sarebbe come una specie di nostalgia ovvero desiderio dei tuoi baci…». Fantastica la risposta di Teresina dopo la vittoria: «Baldoria del mio cuore, prima di tutto allungami le tue labbra di eroe del Piave, che ti ci pianto sopra uno di quei baci nostalgici a uso ceralacca, che non riesci più a distaccartelo che con l’acqua calda. Poi lasciati dire che la tua Teresina del tuo cuore, la quale prima era innamorata di te, adesso che sei vittorioso ti adora a rotta di collo».

The Olivetti Idiom (1952-1979)

da

New York University Florence  Villa Sassetti via Bolognese 120 Firenze

14 marzo /5 maggio

 

La mostra traccia un percorso, per immagini e documenti, sull’identità dell’azienda attraverso tre luoghi di esposizione dei suoi prodotti (le mostre, i negozi e la scuola), in cui si sono progressivamente affermate le forme narrative, orali, scritte e visive, della sua immagine

Mercoledì 14 marzo è stata inaugurata la mostra dal titolo The Olivetti Idiom (1952-1979), a cura di Caterina Toschi, ospitata a Villa Sassetti a Firenze.  L’esposizione, prodotta dalla New York University Florence, con allestimento di Cosimo Vardaro, intende tracciare un percorso relativo all’identità della grande azienda, in particolare negli anni compresi tra il 1952 e il 1979. Riunisce quindi i modelli espositivi e le forme di racconto, scritto, orale e visivo, che hanno portato all’affermazione sulla scena internazionale dell’inconfondibile idioma olivettiano. 

Le fotografie di Aldo Ballo, Gabriele Basilico, Gianni Berengo Gardin, Walter Binder, Giorgio Colombo, Erich Hartmann, Wayne Miller, Paolo Monti, Ugo Mulas, Ezra Stoller documentano i negozi e gli spazi di vendita olivettiani, realizzati dalle firme dell’avanguardia architettonica del trentennio preso in esame (Gae Aulenti, Ignazio Gardella, Leo Lionni, Carlo Scarpa, Studio BBPR); le avveniristiche mostre Olivetti: Design in Industry, presso il Museum of Modern Art di New York (ottobre-novembre 1952), Stile Olivetti (1961-1966), itinerante nel mondo tra Zurigo, Nairobi, Hong Kong, e Formes et Recherche (1969-1971), allestita da Gae Aulenti tra Francia, Germania, Giappone, Inghilterra e Spagna. 

In particolare, l’esposizione The Olivetti Idiom (1952-1979) approfondisce un capitolo poco conosciuto di storia olivettiana: l’esperienza del CISV-Centro Istruzione e Specializzazione Vendite (1954-1979), una scuola istituita a Firenze nel 1954 per educare i neoassunti dell’azienda a una cultura della vendita fondata su un modello rivoluzionario di pedagogia industriale di impianto tecnico-umanistico. Questa esperienza è ricostruita per la prima volta grazie a un inedito percorso espositivo teso a raccontare, da un lato, la vita del CISV tra le ville medicee affittate dalla Olivetti alla famiglia Acton attualmente sede del campus della New York University Florence; dall’altro, il valore del prodotto ‘esposto‘ per la progressiva affermazione sulla scena internazionale dell’identità visiva dell’azienda Olivetti.

 

The Olivetti Idiom (1952-1979)

dal 14 marzo al 5 maggio
New York University Florence

Villa Sassetti via Bolognese 120
Firenze

La mostra è visitabile su appuntamento da richiedere a lapietra.reply@nyu.edu
La Segreteria di New York University è a disposizione per ulteriori informazioni via email (mbm12@nyu.edu) e telefono (055.5007 202).

Libri per tutti. L’Italia della divulgazione dall’Unità al nuovo secolo

da

Autore      Luca Clerici

Editore     Laterza

Anno         2018

Pag.           260

Prezzo       Euro 24,00

 

Subito dopo l’Unità molti studiosi, veri e propri campioni della divulgazione, si impegnano a diffondere il sapere oltre la tradizionale cerchia dei dotti, interpretando al meglio la lezione illuminista.

Sono intellettuali che vogliono ‘insegnare a fare’, diffondere una nuova cultura laica e incidere nella società più di quanto facciano i letterati ‘puri’. Si tratta di figure oggi quasi dimenticate ma famosissime all’epoca: i naturalisti Antonio Stoppani e Michele Lessona, il medico-antropologo Paolo Mantegazza e Luigi Vittorio Bertarelli, che fonda nel 1894 il Touring Club Italiano. In comune hanno una formazione tecnico-scientifica, un’indiscussa fama internazionale e una straordinaria popolarità, grazie a opere di successo. Personaggi abilissimi nel proporsi al pubblico, fascinosi conferenzieri e instancabili ‘operatori culturali’, questi scrittori contribuiscono a diffondere nuovi generi: dal manuale alla guida turistica, all’almanacco popolare, senza dimenticare la cronaca, sia nera sia giudiziaria, seguitissima. I nuovi scrittori si impegnano nelle istituzioni – nell’università, nei comuni, al Parlamento –, contribuendo a formare una moderna e aggiornata opinione pubblica nazionale.

Un’impresa purtroppo destinata a essere abbandonata dalla classe dirigente con il nuovo secolo, allo scoppiare della guerra.

 

Luca Clerici insegna Letteratura italiana contemporanea all’Università degli Studi di Milano. Si occupa di autori, testi e generi degli ultimi tre secoli, concentrandosi sia sui protagonisti della letteratura istituzionale sia sulla produzione popolare e di massa. Ha studiato la cultura della divulgazione e l’editoria libraria dal Settecento a oggi e ha collaborato con riviste e quotidiani nazionali. Tra le sue pubblicazioni: Il romanzo italiano del Settecento. Il caso Chiari (Marsilio 1997, Premio Amantea); Il viaggiatore meravigliato. Italiani in Italia (1714-1996) (il Saggiatore 1999, Premio Chiavari); Apparizione e visione. Vita e opere di Anna Maria Ortese (Mondadori 2002, Premio Elsa Morante e Premio Brancati); Scrittori italiani di viaggio 1700-1861 (Mondadori 2008, Premio Città di Gaeta); Scrittori italiani di viaggio 1861-2000 (Mondadori 2013).

17 Marzo. Anniversario dell’Unità d’Italia

da

COMITATO FIORENTINO PER IL RISORGIMENTO

SBANDIERATORI E MUSICI DELLA SIGNORIA DI FIRENZE

COMPAGNIA DELLA BIZZARRIA D’AMORE

Manifestazione per il

17 Marzo. Anniversario dell’Unità d’Italia

Sabato 17 marzo ore 15 a  Piazza Santa Maria Novella Firenze

Saluto ai partecipanti da parte di Adalberto Scarlino, presidente del Comitato Fiorentino per il Risorgimento e partenza del corteo direzione via delle Belle Donne, via del Trebbio, p.za Antinori, via De’ Tornabuoni, via Degli Strozzi, piazza della Repubblica:  fermata del corteo, schieramento lato Caffè delle Giubbe Rosse;  esibizione  degli Sbandieratori e Musici della signoria

Al termine ricomposizione del corteo e partenza verso via degli Speziali, via dei Calzaiuoli, piazza della Signoria; schieramento dei gruppi storici lato palazzo Vecchio verso piazzale degli Uffizi.

Saluti e celebrazione della giornata, esibizione dei gruppi storici, Le Bizzarrie d’Amore con danze ‘800 e degli Sbandieratori e Musici della Signoria  in veste garibaldina.

Galli della Loggia, nel nuovo libro speranze e ideologie d’Italia

da

Progetti falliti e illusioni tramontate sotto la lente dell’editorialista del «Corriere» che mette a fuoco problemi irrisolti della vita nazionale in una raccolta di saggi

Michele Salvati Corriere della Sera  8 marzo

 

L’ultimo libro di Ernesto Galli della Loggia si intitola Speranze d’Italia, come quello scritto nel 1844 da Cesare Balbo, torinese, patriota e politico liberale che morì prima di vedere le sue speranze in parte realizzate.

L’identità del titolo è intenzionale, ci dice Galli della Loggia, «è una scelta che allude alla necessità, oggi come un tempo, di ridisegnare un domani per il Paese». Peccato che i saggi raccolti in questo libro di speranze ne lascino assai poche. Sono sedici scritti già pubblicati tra il 1980 e il 2010 (il grosso negli anni Novanta) e gli unici due inediti riguardano vecchie vicende. E così anche i due scritti dopo il 2000: l’esperienza della cosiddetta «Seconda Repubblica» è largamente fuori dal raggio di interesse della raccolta. Perché questa scelta? La «speranza» non deve forse agganciarsi alla situazione attuale del nostro Paese? Un Paese senza un progetto condiviso, che le recenti elezioni consegnano alla confusione e all’incertezza.

Galli della Loggia poteva forse aggiungere altri saggi — e molti editoriali che ha scritto per il «Corriere della Sera» — i quali testimoniano il suo interesse per le vicende politiche e ideologiche a noi più vicine: quelli che di recente ha ripubblicato con Marsilio, nel volume Il tramonto di una nazione, non mi sembra lascino aperte grandi speranze per il futuro. Non l’ha fatto in questo libro — sottopongo all’autore la mia interpretazione — perché probabilmente egli considera conclusa la fase di ricerca storica di cui i saggi ripresentati in Speranze d’Italia disegnano il decorso.

Traggo questo giudizio dalla stessa introduzione al volume. Una introduzione relativamente breve, in cui Galli della Loggia non aggiunge altri materiali interpretativi, ma si limita a una sintesi delle principali conclusioni a cui i diversi saggi pervengono. E però, con molte cautele, avanza una pretesa di originalità — specie per il passaggio dalla ricerca a una diffusione ideologica più ampia — piuttosto chiara. Afferma infatti: «Gli scritti presenti nel libro rappresentano una prima messa a fuoco dei temi indicati» (sono quelli di cui i singoli saggi trattano: «Il Risorgimento e dopo: il ruolo negativo dello scontro tra liberalismo e cattolicesimo»; «Una Resistenza tradita?»; «Patologie italiane: il fascismo sempre in agguato e l’antifascismo perenne»; «Perché fu sconfitta la cultura liberal-democratica in Italia»; «L’azionismo immaginario, ovvero il partito democratico mancato»…). E aggiunge: «Ma pur con tale riserva mi sembra che nel loro insieme essi disegnino in modo abbastanza compiuto un primo abbozzo di quella visione del nostro Paese di cui abbiamo bisogno»

Se questa pretesa sia sostenibile lo diranno gli storici. Come economista — da molto tempo convinto che lo sviluppo economico non si possa spiegare senza un’analisi comparata delle istituzioni e delle idee politiche dominanti — posso solo ricordare con piacere la ventata di novità che colpì il «Corriere della Sera», ancora immerso nella visione storica di Giovanni Spadolini, con l’arrivo alla direzione di Paolo Mieli, allievo di Renzo De Felice, e con lui di Galli della Loggia, anch’egli influenzato dalla grande opera sul fascismo. E più tardi si unirà a loro Pierluigi Battista. Colpivano la sicurezza e il coraggio delle loro analisi, la mancanza di esitazione nell’attaccare mostri sacri per la vulgata di sinistra come Piero Gobetti, Antonio Gramsci e Norberto Bobbio. Tutti caratteri che il lettore ritrova nei saggi raccolti in questo libro, in modo più disteso e argomentato.

Se però sono credibili le dissacrazioni delle principali ideologie del Novecento (di tutte, e in particolare di quella che Galli della Loggia chiama «l’ideologia italiana»: il saggio su Alfredo Oriani, un autore oggi dimenticato di cui sia Gramsci che Gobetti avevano stima, è a mio giudizio il più bello di tutto il libro), si pone un problema: dove appoggiarsi per nutrire qualche speranza per il futuro? Quale visione, attraente per i comuni cittadini, ma sostenuta anche dai ceti dirigenti e compatibile con i caratteri attuali del capitalismo, ha in mente Galli della Loggia per giustificare il titolo del suo libro?

Non erano solo le parrocchie e la Chiesa, salvo per i primi anni del dopoguerra, a sostenere il grande consenso alla Democrazia cristiana, ma il travolgente sviluppo economico che ne seguì e l’avversione degli italiani per cambiamenti radicali. Poi la storia del nostro Paese, con tutte le sue peculiarità ideologiche, entra nel solco della grande storia europea e internazionale, che ne scandisce i ritmi e ne determina i possibili sviluppi: le peculiarità ideologiche italiane — quelle di cui tratta Galli della Loggia — sono soprattutto importanti per comprendere occasioni di sviluppo e modernizzazione che l’Italia non colse e stanno alla radice dell’attuale ristagno. Di esse ho fatto di recente un breve riassunto in un commento incluso nell’ultimo «Annale» della Fondazione Feltrinelli (L’approdo mancato, a cura di Franco Amatori) e a questo devo rinviare, sottolineando che una vera storia è fatta certamente da idee e ideologie, ma mischiate sapientemente con i fatti — economici, sociali, politici e istituzionali — che vi devono aggiungere una dose sufficiente di credibilità ed efficacia mobilitante.

Oggi, in parte anche per effetto dell’attacco dissacratore di Galli della Loggia, le mistificazioni sulle quali quelle ideologie si reggevano sono state svelate ed esse sono morte. Che cosa le ha sostituite? L’abbiamo visto nella campagna elettorale che si è appena conclusa: il grido qualunquista di «onestà, onestà» dei Cinque Stelle? Il rozzo appello xenofobo della Lega? Il semplice richiamo alla competenza e a un’Unione Europea sempre in crisi?

Insomma, verrebbe quasi da rimpiangere le vecchie ideologie e le false interpretazioni della storia italiana che Galli della Loggia critica in questo libro. Criticarle è stato però un passo importante e meritorio, preliminare a quello di fondare la speranza su basi nuove.

Il Monumento a Michelangelo

da

Piazzale Michelangelo Firenze

 

Il monumento segna il centro dell’ampio piazzale, snodo fondamentale del viale dei Colli, progettato da Giuseppe Poggi nell’ambito del piano di ingrandimento della città di Firenze negli anni in cui questa fu Capitale d’Italia (1865-1871). Andrà quindi letto sia in rapporto alla particolare situazione spaziale sia, soprattutto, in relazione alla vicina Loggia caffè (1871-1873), progettata dalla stesso Poggi e originariamente pensata come museo di originali e di calchi michelangioleschi, dove inoltre doveva trovare spazio una grande statua raffigurante lo stesso artista per la quale si era reso disponibile lo scultore Giovanni Dupré, in modo da “costituire quasi una tribuna a Michelangelo, come in altri tempi fu fatta la tribuna di Galileo” (Poggi 1882). L’opera si presenta posta su di una ampia gradinata, provvista di un alto basamento in marmo con specchiature e riporti in bronzo, caratterizzata da quattro volute su cui poggiano le copie in bronzo dei così detti ‘Crepuscoli‘ di Michelangelo (le statue della Notte, del Giorno, del Crepuscolo e dell’Aurora della Sagrestia Nuova della basilica di San Lorenzo). Al vertice è la copia in bronzo del David già posto in piazza della Signoria e ora conservato nella Galleria dell’Accademia. Per quanto il monumento sia stato inaugurato il 13 settembre del 1875, l’insieme e in particolare la figura del David ha conosciuto una gestazione lunga e complessa. L’idea di realizzare una copia della grande opera michelangiolesca ebbe infatti origine negli anni del trasferimento dell’originale (dovuto a motivi conservativi) nei locali dell’Accademia, al fine di collocarla nella sua storica ubicazione davanti al Palazzo Vecchio. Così, nel 1846, Leopoldo II di Lorena commissionò il lavoro al bronzista Clemente Papi che, l’anno seguente, realizzò dall’originale un calco in gesso ora conservato presso la Gipsoteca dell’Istituto d’Arte di Firenze (calco di importanza fondamentale perché da questo sarebbero derivate tutte le successive copie, evitando all’originale i rischi che l’operazione di calco comporta). Gli alti costi per la traduzione in bronzo e le difficoltà tecniche dell’impresa per le dimensioni della figura portarono a una lunga interruzione dei lavori, e solo nel 1866 (aperti i locali della nuova fonderia reale nei pressi di porta San Gallo e resosi disponibile il bronzo di una serie di cannoni dismessi dagli arsenali militari di Firenze) Clemente Papi potette procedere al getto, a spese del governo della Toscana e del Governo del Regno d’Italia. Vista l’eccezionalità dell’impresa il bronzo fu quindi inviato e presentato all’Esposizione Universale di Parigi del 1867 dove, oltre all’unanime plauso, fu premiato dalla giuria con una medaglia al merito. Tuttavia la realizzazione fu giudicata non consona per essere collocata in piazza della Signoria, reputando che il bronzo avrebbe alterato i rapporti cromatici dello spazio. Nel 1868 il governo donò quindi al Comune di Firenze la copia, lasciando all’amministrazione il compito di trovare una adeguata sistemazione. Si giunse così all’idea di recuperarla nell’ambito del progetto predisposto da Giuseppe Poggi, destinandola al piazzale prossimo alla basilica di San Miniato, in posizione dominante rispetto alla città. Il monumento fu quindi ripensato e progettato dallo stesso Giuseppe Poggi come omaggio a Michelangelo e non come singola figura, quindi arricchito di ulteriori copie di sue realizzazioni. “Ed il Consiglio, approvando il progetto, fece una viva discussione circa la scelta tra la fusione in bronzo e la galvanoplastica per le quattro statue; e fu deliberato di fonderle in bronzo, non con minore economia, ma con maggiore effetto e durata” (Poggi 1882). Nel 1872, così, Clemente Papi fuse le copie dei ‘Crepuscoli’, su forme in gesso realizzate dal suo aiutante Luigi Stiattesi. Nel 1874 i vari bronzi vennero trasportati al piazzale e il monumento composto come da progetto e completato da quattro lapidi con iscrizioni di Cesare Guasti. La solenne inaugurazione si tenne il 13 settembre 1875.

Nonostante l’attuale rivalutazione del progetto poggiano a lungo oggetto di critiche, si tende ancora  a valutare negativamente l’intervento senza tener di conto della cultura e della sensibilità ottocentesca e soprattutto senza comprendere il valore che in quel secolo ebbe l’impresa fusoria, come accade nelle recenti edizioni della pur autorevole Guida Rossa del Touring Club Italiano (Firenze 2005) dove, dopo aver presentato il piazzale come “uno degli aspetti urbanisticamente meno riusciti del viale dei Colli”, si sottolinea semplicisticamente come il monumento ne accresca “l’artificiosa solennità”, descrivendolo come “inappropriato ‘pastiche’ composto dalle copie in bronzo del David e delle statue dei sepolcri medicei di S. Lorenzo”.

Il silenzio degli intellettuali sulle sorti del Paese

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Ernesto Galli della Loggia  Corriere della Sera 3 marzo

 

Ci fu un tempo, in Italia, in cui alla vigilia di ogni appuntamento elettorale fioccavano gli appelli, le prese di posizione sottoscritte da sfilze di scrittori, professori universitari di ogni disciplina, giornalisti, uomini e donne del cinema e della televisione, che invitavano a votare per questo o per quello (quasi sempre, in verità, per i partiti di sinistra). Oggi invece regna il più completo silenzio. Sembra che più nessuno se la senta di spendere il proprio nome a favore di un qualunque partito. Certo, in teoria della cosa ci si potrebbe pure rallegrare. C’era sicuramente moltissimo di retorico, infatti, di superficiale, di ingenuo se non di opportunistico, in quegli appelli. Mossi assai spesso da semplice conformismo ambientale. A loro modo però essi erano anche qualcos’altro: erano l’esito estremo di una lunga tradizione di impegno nazionale degli intellettuali e dei ceti colti italiani. Di un coinvolgimento autentico nelle vicende del proprio Paese, nelle sue speranze, nei suoi sforzi per crescere e diventare moderno, nelle sue lotte civili. Anche nelle sue illusioni, naturalmente, non escluse quelle più funeste.

È stata una tradizione d’impegno nazionale iniziata ai primi dell’800 — allorché sulla Penisola si alzarono altissimi i due «gridi» dei foscoliani «Sepolcri» (1807) e della canzone «All’Italia» (1818) di Giacomo Leopardi — e che con il Risorgimento diventò anche pienamente politica.

Una tradizione rimasta vivissima fino alla Prima Repubblica dopo aver attraversato tutto il nostro Novecento, e dunque dopo aver segnato in misura decisiva l’intero itinerario ideologico del Paese. Molti lo ignorano, ma nel bene come nel male poeti, romanzieri, scienziati, registi, letterati, giornalisti, hanno fatto l’Italia come pochi altri.

Oggi soprattutto, ma già da qualche tempo, non è più così. Gli intellettuali italiani, la cultura in genere, non sembrano più riuscire a interessarsi dell’Italia, delle sue sorti come del suo futuro. E forse neppure desiderare di farlo. Difficile dire se per sfiducia, per stanchezza, per mancanza di idee forti, o perché dall’altra parte la politica di queste idee non ha più bisogno, perché non ha né la voglia né la capacità di ascoltare qualunque discorso si discosti appena dalla sua grigia routine e dai suoi piccoli grandi affari quotidiani.

Sta di fatto che è difficile sottrarsi all’impressione che anche il venir meno di un carattere così tipico della nostra vicenda nazionale come l’impegno politico degli intellettuali, anche ciò, insieme a tanti altri sintomi, testimoni che qualcosa si è rotto nella fibra del Paese e nella sua identità storica. Che oggi l’Italia si trovi di fronte ad una crisi la quale, più che legata a fattori economici, sia una crisi dovuta all’incertezza circa il senso profondo del suo ruolo e del suo futuro, una crisi di volontà di vita (la caduta delle nascite!) così come della capacità di legare lo ieri con l’oggi e con il domani in una prospettiva dotata di significato e di valore.

Una crisi insomma, che richiedendo come non mai il coraggio dell’azione della politica da un lato e dall’altro l’intelligenza della cultura, proprio per questo rivela l’assenza drammatica dell’una e dell’altra. Il sintomo di crisi che è rappresentato da questo allontanamento/lontananza degli intellettuali rispetto alla politica, dalla loro tacita dimissione da un ruolo in senso lato nazionale, tale sintomo è ancor più accentuato nel suo aspetto negativo da un fenomeno concomitante e solo all’apparenza diversissimo. Mi riferisco all’ormai massiccia emigrazione di giovani italiani verso università, centri di ricerca, istituzioni industriali e finanziarie, organizzazioni internazionali, fuori dai nostri confini. A proposito della quale mi sembra giusto chiedersi: non è forse questa emigrazione una nuova manifestazione — naturalmente adattata ai tempi — di quella «funzione cosmopolita» dei colti italiani di cui a suo tempo ci ha parlato Gramsci? Nella nostra storia, egli ci ha ricordato, ben prima della grande emigrazione delle masse povere tra ‘800 e ‘900 , nei lunghi secoli dal ‘400 al ‘700 c’è stata quella di ammiragli e condottieri, uomini di corte, letterati, artisti, geografi: «un’emigrazione di elementi italiani rappresentanti la tecnica e la capacità direttiva, elementi che hanno arricchito gli Stati europei col loro contributo». C’è stata insomma «una concentrazione culturale cosmopolita» propagatasi dalla Penisola verso gli altri Paesi, la quale ha forse voluto dire, sì, una diffusione del «genio» italiano nel mondo, ma al tempo stesso è stata pure l’altra faccia se non la causa — è sempre Gramsci che scrive — di «una debolezza statale e nazionale».

Oggi — tutto lo lascia credere — quella «debolezza statale e nazionale» si riaffaccia prepotentemente nella nostra storia, e ancora una volta ne rappresenta una cartina al tornasole il ruolo e la sorte dei colti. Sia degli intellettuali per così dire tradizionali — quelli che vivono un forte legame con il passato e si occupano espressamente delle produzioni culturali, delle idee e dei valori, della società, e quindi necessariamente anche della politica — sia dei colti versati nei tanti saperi specialistici dai molti esiti pratici. Entrambi i quali appaiono accomunati da una crisi che per i primi consiste nella sopravvenuta superfluità della loro antica funzione politico-pubblica di orientamento e riflessione nei confronti dei propri concittadini, per i secondi nell’impossibilità di adoperare le loro conoscenze a favore della propria collettività d’appartenenza. In ogni caso con un effetto di sradicamento, virtuale o pratico non importa, da un’Italia che anche per loro non sembra più capace di avere alcun posto.

Stemmi senza dilemmi: come conoscere la storia attraverso i loghi

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Marco Carminati Sole 24 ore 25 febbraio

Uno storico dell’arte che si imbatta in quadri, statue, oreficerie o pagine miniate di cui non sa assolutamente nulla ma su cui campeggiano con evidenza degli stemmi, può ritenersi uno storico dell’arte fortunato. La sua ricerca è iniziata con il piede giusto perché all’interno di uno stemma si celano spesso numerose e preziose informazioni. Decifrare correttamente gli stemmi significa, ad esempio, poter datare con buona approssimazione l’opera, poterne stabilire la committenza o i passaggi di proprietà e, talvolta, poter definire la sua provenienza geografica. L’araldica – ovvero la scienza che studia gli stemmi – non è dunque un pallido retaggio del passato o un passatempo per nobili in disarmo, ma è una disciplina ancora piuttosto vitale per almeno due ragioni: la prima è che aiuta a comprendere la storia; la seconda è che la società contemporanea continua, imperterrita, a produrre stemmi.

Un aureo libretto edito da Ponte alle Grazie ci racconta in modo brillante e sintetico la storia dell’araldica dal Medioevo ai nostri giorni. L’autore è un pezzo da novanta, Michel Pastoureau, il medievista francese celebre per essere uno dei massimi storici dei colori. E allo studio dei colori Pastoureau è giunto proprio partendo dall’araldica, perché i primi stemmi di cui siamo a conoscenza erano caratterizzati solo da semplici bande colorate.  

Ma chi inventò gli stemmi e per quale motivo? Benché roboanti eruditi del passato, per nobilitare l’origine degli stemmi, abbiano tirato in ballo addirittura Adamo, Noè, Alessandro Magno o Giulio Cesare, oggi bisogna arrendersi all’evidenza che gli stemmi siano stati introdotti “solo” nel Medioevo, tra l’altro con funzioni più pratiche che nobili. In età medievale i soldati di rango impegnati sui campi di battaglia erano completamente rivestiti da armature metalliche e avevano i volti celati sotto pesanti elmi. Erano dunque irriconoscibili, e ciò poteva significare un serio pericolo soprattutto se ci si trovava nel bel mezzo della mischia. Porre sugli scudi dei soldati facili segni di riconoscimento (fatti inizialmente di sole figure geometriche colorate, di animali o di vegetali) era un modo semplice ma efficace per distinguere gli amici dai nemici. Questi segni di riconoscimento si trasformarono presto in emblemi personali e, dal XII secolo in poi, cominciarono a essere trasmessi in eredità alla famiglia. Utilizzati in origine solo da prìncipi e da nobili, con il XIII secolo gli stemmi dilagarono ovunque: se li attribuirono le donne, gli ecclesiastici, i borghesi, gli artigiani, le città, le corporazioni dei mestieri. In certe regioni d’Europa (Normandia, Fiandre e Inghilterra) persino i contadini si procurarono i loro stemmi. Ciò significa che gli stemmi non erano affatto prerogativa dei soli nobili, ma ognuno poteva assegnarseli, a un’unica condizione: non copiare gli stemmi altrui.

Di fatto, furono signori e cavalieri a farne largo uso, e non si accontentarono di porli sopra gli scudi ma li fecero riprodurre – come fossero sigilli di proprietà – su gonfaloni, galdrappe, abiti, opere d’arte, libri, arredi, castelli, palazzi e cappelle gentilizie. Risultato: l’Europa si riempì di stemmi. Oggi ne sono stati censiti circa un milione, di cui solo un terzo appartenenti alla nobiltà.

Dinnanzi alla proliferazione degli stemmi sorse presto la necessità di una loro regolamentazione. Agli inizi ci pensarono gli araldi, che erano speciali funzionari al servizio di prìncipi e nobili con il compito specifico di recare messaggi, dichiarare guerre e annunciare tornei. Grazie a queste prerogative, gli araldi si specializzarono nella distinzione e nel riconoscimento degli stemmi, e poi, col tempo, furono loro a codificarne le forme, le regole e il valore. Dagli araldi nacque così l’araldica.

In epoca moderna, però, l’araldica divenne appannaggio di storici e “antiquari”, e gli Stati cominciarono anche a specularvi sopra. Nella Francia del Re Sole, ad esempio, si ordinò un censimento di tutti gli stemmi del reame non per amore di conoscenza ma per far pagare una bella tassa a chi li deteneva. E chi non possedeva stemmi? Molto semplice: a chi non li possedeva (ovvero magistrati, medici, mercanti, artigiani, eccetera) gli stemmi furono assegnati d’ufficio, ovviamente con tassa allegata da pagare. E per le immagini da mettere sui blasoni non si stette troppo a guardare per il sottile: ad esempio, un farmacista bretone si vide assegnare un bello stemma con sopra una siringa e tre vasi da notte. Sic et simpliciter.

La rivoluzione francese portò con sè la più disastrosa strage di stemmi della storia. Poi, Napoleone e la Restaurazione li ripristinarono, e oggi hanno ancora un certo valore soprattutto nelle nazioni rette da monarchie, come il Regno Unito, il Belgio, i Paesi Bassi, oppure nella Chiesa cattolica, dove papi, cardinali e vescovi ancora necessitano di uno stemma distintivo.

Ma lo stemma resiste a livello generale. La Russia comunista ne ha prodotti un notevolissimo campionario. Di contro, anche le aziende dell’emisfero capitalista hanno attinto a piene mani all’araldica: pensiamo solo al cavallino rampante della Ferrari o il leone rampante della Peugeot, che – detto per inciso – è stato preso di peso dallo stemma dei conti di Borgogna.

Oggi l’araldica spopola – in forma di stemmi, emblemi, simboli, loghi e marchi – nell’industria, nella manifattura, nella politica e nella vita civile. La troviamo persino negli stadi: gli scudetti, i colori delle maglie dei giocatori e gli striscioni agitati dai tifosi riprendono spesso simboli e tinte araldiche. La prova: i giocatori della Roma indossano una maglia giallorossa che deriva dallo stemma cittadino. Ma lo stemma di Roma contiene due tinte dall’altissimo valore araldico: la porpora e l’oro, i colori specifici degli imperatori dell’Urbe.

 

Michel Pastoureau, Figure dell’araldica. Dai campi di battaglia del XII secolo ai simboli della società contemporanea, traduzione di Guido Calza, Ponte alle Grazie, Milano, pagg. 126, € 20